Ensayo sobre Picasso y Matisse
Variaciones. Lunes 30 de marzo, 20:00 horas. 99.7 FM.
Conduce: Julio Romano.
Invitado: el de la hermandad...
Primera intervención:
(Pinturas: La Danza de Derain, Bodegón con Gillette y Mesa de Braque)
El Fauvismo, fue un movimiento pictórico francés de escasa duración, apenas de 1904 a 1908, que revolucionó el concepto del color en el arte. Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos, introducidos por los postimpresionistas Gauguin y Van Gogh, para crear un mayor énfasis expresivo.
El término significa literalmente 'fieras', una etiqueta peyorativa aplicada por la crítica con motivo de la primera exposición, en el Salón de Otoño, en 1905, aunque los miembros del grupo ya pintaban en ese estilo con anterioridad a esta fecha. André Derain y Henri Matisse fueron sus principales exponentes. Ellos dos empezaron a usar los colores complementarios puros, en pinceladas vigorosas y uniformes, obteniendo así campos lumínicos más que representaciones objetivas de la luz.
Con su colorido estridente, estos cuadros rompen definitivamente con la representación naturalista (óptica) del color. La otra virtud del fauvismo que prevalece hasta nuestros días fue que por primera vez liberó a la pintura del tratamiento del tema.
Por su parte, el Cubismo fue un movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, y su objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista para plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907.
El cubismo hace escuela rápidamente. En 1912, incluso, es discutido en el Parlamento Francés si deben abrirse los edificios públicos para exposiciones de cubistas, ya que algunos diputados, con la sensibilidad que los caracteriza, llegaron a considerar este arte incluso como excremento. Alcanza su apogeo alrededor de 1914 y continúa evolucionando durante la década de 1920.
Al rechazar la representación realista que se venía practicando desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística.
El polifacético Jean Cocteau lo dijo mejor que nadie: El cubismo hizo ver cubos donde no estaban y, confesémoslo, hizo que aparecieran.
En 1925, la revista francesa L'Art Vivant preparó una lista con los 10 mejores artistas franceses de la época; en ella Henri Matisse iba a la cabeza y Pablo Picasso en la quinta posición. Ya para En 1966, 36 pintores hicieron su lista a la pintura mundial contemporánea, con Picasso a la cabeza, seguido de luminarias como Miró, Ernst, Bacon o Chagall.
Segunda intervención:
(Pinturas: Matisse en general)
Hablemos de Henri Matisse, Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, en 1869, en el seno de una familia de clase media, el 31 de diciembre de este año se cumplirá el 140 aniversario de su natalicio. Matisse estudió Derecho en París y ejerció como abogado; sin embargo, en 1890, mientras se recuperaba de una apendicitis, se sintió atraído por la pintura. En 1892 abandonó su carrera y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de París.
Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica y conservadora, por lo que su estilo inicial consistía en una forma convencional de naturalismo. A su vez, estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación, que le valió una reputación de rebelde en las clases.
La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh.
Entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura Puntillista, adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. Ya para 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior. Sus figuras de bailarines, y, en general, todas sus figuras humanas, responden a la expresividad de la forma y muy poco a los detalles anatómicos.
Matisse, junto al contenido intelectual, siempre destacó la importancia del instinto y la intuición en su producción artística. Afirmaba que un artista no tiene un completo dominio sobre formas y colores, sino que son éstas las que deben dictar al artista sensible el modo en que deben ser combinadas.
Desde 1920 hasta su muerte en 1954, Matisse pasó mucho tiempo en el sur de Francia, sobre todo en Niza, pintando escenas locales de colorido fluido y brillante. Cuando contaba con una edad avanzada se le encargó la decoración de la capilla de Santa María del Rosario en Vence, que terminó entre 1947 y 1951. Durante sus últimos años, debido a la dificultad a la hora de manejar el pincel y a su estado a menudo de postración, se entregó al Découpage, una técnica de papeles gouacheados y recortados, creando obras de un brillante colorido.
Tercera intervención:
(Pinturas: Matisse, Peces Rojos, La Danza, Jazz)
Muchos consideran a Matisse un artista burgués, con una vida tranquila, reconocimiento en vida y una gran longevidad, sin embargo a diferencia de Picasso, Matisse encierra en si mismo la frescura de una nueva fuente.
Espacios en blanco como torbellinos de trazos. Como una gran calma dentro de un ciclón, son elementos que aparecen a lo largo de la obra de Matisse. Según el poeta Guillaume Apollinaire la obra de Matisse, la creación, consistió en ordenar el caos.
Ante los movimientos de vanguardia como Der Blaue Reiter de Alemania, impulsado por Kandisky, el cubismo en Francia, el Futurismo o el Suprematismo; Matisse pareciera haber continuado valores clasicistas como la representación del cuerpo o los objetos, aún así fue uno de los pintores más innovadores e influyentes de su época. En su dibujo Odalisca con Pantalones de Bayadera, de 1925, por ejemplo, sintetiza todas las vanguardias de ritmo y movimiento de las que paradójicamente, estaba alejado.
"El sentimiento está en nosotros mismos, dice Matisse, no nos decimos: mira, hoy haré sentimiento. No, se trata de algo más auténtico, más profundo. El sentimiento es enemigo sólo cuando no se sabe expresar. Y hay que expresarlo totalmente. Si no se intenta llegar hasta el fondo, no se logran más que aproximaciones".
Esto se nota en las innovaciones de sus cuadros, Peces Rojos, por ejemplo, de 1912, presenta un tema colorido que pintó en varias ocasiones, los peces de su estudio de tamaño intencionalmente desmesurado. En esta serie Matisse insiste en objeto, construcción y color, hasta llegar a soluciones inéditas.
En la década de 1930 realizó el mural La Danza para el Museo Barnes de Pensilvania en que representa la figura femenina con líneas y cromatismos, en pleno apogeo del Art Déco.
Finalizamos la intervención sobre Matisse con la publicación de su "libro" Jazz, una serie de découpés, en los que Matisse, se decanta a la combinación de figuras esenciales. Algunos coinciden en que este periodo de técnica más simplificada, coincide con el más creativo del artista. También realizó grabados para ediciones del Ulyses de Joyce, para un poemario de Mallarmé, Parsifae y Las Flores del Mal, entre otros.
Cuarta intervención:
(Pinturas: Retrato de Gertrude, Bañistas con Tortuga de Matisse, Autorretrato de Picasso)
La influencia del pintor francés Paul Cézzane, considerado por algunos como el padre de la pintura moderna, en la obra de Picasso y Matisse, es innegable. Entre todos los artistas de su tiempo, Cézanne tal vez sea el que ha ejercido una influencia más profunda en el arte del siglo XX: Matisse, por ejemplo, admiraba su manejo del color, mientras que Picasso se basó en su forma de componer los planos para crear el estilo cubista.
Cézzane predicó que la reflexión modifica la visión, empujando en la pintura una interacción entre color y estructura. Los cubistas seguían su sentencia que afirmaba que "Todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro".
Y a pesar de toda esa influencia, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. El pasado 19 de enero, el mismo día que Poe, aunque no el mismo año, se cumplió el 170 aniversario de su natalicio, hecho que fue ignorado por los homenajes al escritor norteamericano.
Ligada a Matisse y Picasso hay otra figura fundamental, la escritora estadounidense Gertrude Stein, que sirvió como un nexo para ambos por distintos motivos. Stein fue defensora de los trabajos de Matisse y también, una de las primeras mecenas de Picasso, quien en 1906, después de unas 80 sesiones, realiza el famoso Retrato de la autora en el cual sus facciones se parecen mucho a las del Autorretrato de Picasso en 1907, con ciertos rasgos comunes sobre todo en la nariz, la postura y los ojos, de estilo egipcio.
Ella figura entre los primeros coleccionistas de la obra de Picasso, Matisse y Braque, con quienes mantuvo una estrecha amistad. A través de sus escritos y su representativa colección personal de obras contemporáneas innovadoras, Stein supo llamar la atención de un amplio círculo internacional sobre el arte moderno.
Fue en su apartamento donde Picasso conoció a Matisse, de los acercamientos entre estos dos pintores, Picasso se interesó por el arte africano que lo llevaría a pintar la controversial obra de las Señoritas de Aviñón. En cambio Bañistas con Tortuga y Lujo, de 1907 y 1908, son las composiciones que acercaron a Matisse al movimiento cubista.
Quinta intervención:
(Pinturas: Ciencia y Caridad, Entierro del conde Orgaz de El Greco, Periodo Azul y Rosa)
"Cada nueva obra viene al mundo con una dosis de fealdad congénita. Esta fealdad es el signo de la lucha de su creador para decir algo nuevo de un modo nuevo". Esto dijo Picasso a Gertrude Stein cuando incluso los círculos vanguardistas de París se desconcertaron cuando se expuso por primera vez las Señoritas de Aviñón.
Gertrude Stein, afirma: Su padre era profesor de pintura y Pablo escribía pintura como los demás niños escribían el abecedario, había nacido haciendo dibujos, pero no dibujos de niño, sino de pintor, no sobre cosas vistas, sino sobre cosas expresadas.
Pablo, Diego, José, Francisco de Paula, Juan Nepomuseno, María de los Remedios Crispín, Crispiniano de la Santísima Trinidad, Ruiz y Picasso es considerado el uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético, fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber.
A lo largo de su vida evolucionó hacia muchísimas tendencias artísticas. Su genio se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas: a la edad de 10 años hizo sus primeras pinturas y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con Ciencia y Caridad, que representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño, junto a la cama de una mujer enferma.
Durante su Periodo Azul, de 1900 a 1904, su estilo, en lugar de encontrar un equilibrio se vuelve más heterogéneo, modificándose de una obra a otra. En este periodo reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco. A pesar de esa heterogeneidad, en este periodo logra alcanzar una sustancial unidad de lenguaje.
Posteriormente, en su Periodo Rosa, de 1904 a 1905, no solo cambia la paleta monocromática sino también los temas, hacia el mundo del circo. En abril de 1904 cambia de residencia en París y empieza a congregar a poetas y artistas, el encuentro con Fernande Olivier, de quien se enamora, la permite superar una etapa critica y de poco éxito, e iniciar una nueva estación artística, su periodo rosa.
En este mismo periodo se aleja de los temas de circo y se interesa en figuras aisladas, en general desnudos de diversos estilos en los que experimenta con el volumen de las formas. En este periodo los colores pierden su valor sentimental.
Sexta intervención:
(Pinturas: Señoritas de Aviñón, Desnudo en Sillón Rojo, Guernica, Pastiches, Tres Estudios para una crucifixión, de Bacon)
En el verano de 1906, durante una estancia de Picasso en Gosol, Andorra, su obra entrará en una nueva fase marcada por la influencia del arte griego e ibérico. Tras conocer al pintor Georges Braque, reniega de su producción pasada. También se vio inspirado por el cuadro, La Alegría de Vivir, de Matisse y, en casa de éste, ve por primera vez una estatuilla africana, que atrajo su atención hacia el arte negro.
La obra clave de este periodo es Las Señoritas de Aviñón, una obra radical donde la superficie del cuadro semeja un cristal fracturado, que no fue entendido, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos.
Inspirados por Cézanne, y rechazados por el estilo que desarrollaban, Picasso y Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como Cubismo. Entre 1908 y 1911 trabajaron esta línea de descomposición y análisis de las formas y motivos fragmentados que dieron origen, en el caso de Braque, a la creación del collage.
Picasso abandonó el cubismo en 1916 ya con otras inquietudes en mente. Aunque siempre con esa intención de que los objetos fueran percibidos por la conciencia interior.
La expresión más frecuente dentro del cubismo presenta un enfoque analítico y abstracto del tema; el artista determina y pinta las formas geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el cono, o los planos básicos que revelan las formas geométricas. Otra fase de la pintura cubista (el cubismo sintético) presenta un objeto desde diferentes ángulos, imposibles de ver simultáneamente en realidad, unificados en una estructura compositiva. Ninguno de los dos cubismos pretende reproducir el aspecto real de los objetos. Los últimos cuadros de Picasso van aún más allá cuando desarrolla un cubismo que presenta los objetos distorsionados y sugeridos de forma asociativa, o bien disociativa, al espectador, un ejemplo de esto es su Desnudo en Sillón Rojo, ya en su último periodo.
El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española, la aviación alemana, por orden de Francisco Franco, bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme lienzo que exhibió en el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937.
El cuadro no retrata el acontecimiento en sí; más bien expresa la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la complejidad de estos y otros símbolos, presentes ya en obras anteriores, y a la imposibilidad de dar a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante impacto como denuncia de los horrores de la guerra. Actualmente esta obra se exhibe en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid. Por desgracia esta obra fue hecha con prisa y materiales de baja calidad que la están desintegrando como objeto.
Al final de su vida Picasso trabajó ávidamente en Pastiches, imitaciones de elementos de otros artistas o de cuadros famosos. Entre ellas Las Meninas de Velásquez, el Almuerzo en la Hierba de Manet y el Autorretrato con Sombrero de Paja de Van Gogh, entre otras. También se dedicó a continuar pintando retratos.
Como dato adicional, hay cierta influencia del Guernica, en los Tres Estudios para una Crucifixión del expresionista irlandés, Francis Bacon. Aunque en cierto modo las imágenes de este tríptico rojo es más impactante que el Guernica. En octubre de este año se cumple el centenario del natalicio de Francis Bacon, un pintor que inició por la influencia de Picasso.
Uf uf uf, estuvo largo pero espero haya sido de tu agrado
dlsfruta el sueño...
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